La Voce del Colore
Pittori Sordi Milanesi in Mostra

Lauro Bolondi
Luciana Bora
Giuseppe Coppin
Arnoldo Sidoli
Primo Cajani

Inaugurazione:
venerdì 7 novembre 2025, ore 17.00
Aperta gratuitamente fino a domenica 16 novembre 2025

Ex Fornace
Via Alzaia Naviglio Pavese 16, Milano

ORARI
da lunedì a giovedì   10:00 – 13:00 e 14:00 – 17:00
venerdì   10:00 – 13:00 e 14:00 – 20:00
sabato e domenica   10:00 – 20:00

La mostra

 

Il Pio Istituto dei Sordi di Milano, con il patrocinio di Comune di Milano – Municipio 6, Ente Nazionale Sordi – Sezione Provinciale di Milano e UNEBA Lombardia, presenta La Voce del Colore, una mostra che punta i riflettori su cinque pittori sordi milanesi – Lauro Bolondi, Luciana Bora, Giuseppe Coppin, Arnoldo Sidoli, Primo Cajani – parte attiva del movimento artistico milanese delle persone sorde nella seconda metà ‘900. Artisti legati tra loro da una forte amicizia e accomunati, oltre che dalla passione per l’arte e dai riconoscimenti critici, anche dall’appartenenza e dall’impegno nella Famiglia Artistica Silenziosa di Milano, associazione interna alla sezione provinciale dell’Ente Nazionale Sordi nata nel 1957 con lo scopo di valorizzare, promuovere e sostenere l’arte, anche attraverso l’organizzazione di mostre, concorsi e manifestazioni in Italia e all’estero.

A loro, con la volontà di valorizzare e rendere merito al talento delle persone sorde, è dedicata questa esposizione la cui idea nasce nel 2024, in occasione delle celebrazioni per il 170° del Pio Istituto dei Sordi, e che oggi prende forma grazie al contributo dei figli dei pittori in mostra e di persone sorde che hanno speso la loro vita nel diffondere la conoscenza della storia e dell’arte dei Sordi.

Se è vero che il silenzio non è mai l’equivalente del vuoto, ancor più veritiero è il
significato di questo assioma quando viene applicato all’arte, in particolare alla
pittura. Capita che davanti a un paesaggio, a una natura morta, persino davanti a una superficie monocroma, si avverta la sensazione di essere immersi in uno spazio a cui sia stata sottratta l’aria, a una raffigurazione che condanna la realtà a un’immobilità senza tempo e apparentemente senza vita. Quando questo accade si parla immediatamente di silenzio perché è convinzione comune che l’assenza di movimento equivalga a un’assenza di suono, come se il silenzio fosse il risultato di un’ovvia proprietà transitiva: vuoto – immobilità – silenzio. Eppure, in arte qualcosa sfugge a questo teorema e, per ripetere le parole di Antoine De Saint-Exupery, “qualche cosa risplende”. A sottrarsi al rigore della formula e a prendere voce è il colore, anche quando, nei casi estremi, è ridotto a un solo tono. Non a caso, in pittura come in fonetica si parla di “timbro”. Questo significa che se c’è colore c’è voce.
Senza andare a scomodare la storia dell’arte (e di nomi ne potremmo inanellare tanti: da Seurat a de Chirico, da Rothko a Malevich), è sufficiente guardare le opere raccolte in questo catalogo per averne immediata conferma e sentire chiaramente la voce del colore che si esprime con partiture diverse per ciascun artista.

I paesaggi dell’appennino emiliano e le nature morte di Lauro Bolondi (1927-2018) sono l’esempio calzante di come lo sguardo sia capace di cogliere il silenzio di quei luoghi solitari, nei quali la presenza dell’uomo non è prevista perché non è necessaria. Al contempo, grazie al colore, affiora una melodia di cromie che parlano all’anima, prima ancora che agli occhi e che danno respiro alle radure, alle colline, ai campi. I verdi dei cespugli, i blu dei cieli, le variazioni nocciola della terra ristorano, accolgono, raccontano.

Più aspro ed essenziale è il mondo che dipinge Luciana Bora (1926-2007): pochi sassi e un paio di agavi, collocati contro un cielo azzurro, sono sufficienti per fermarci sulla soglia del reale e farci intuire in quei begli orizzonti celesti un altrove, seppur irraggiungibile. Pietre, monti, piante, oggetti e pescatori hanno contorni duri, bruschi, riassunti in linee essenziali, mentre sui colori che ne riempiono le forme cala spesso un impalpabile alone grigio, che aggiunge una nota malinconica a quel silenzio costellato di ostacoli.

Nelle tele di Giuseppe Coppin (1919-1993), invece, il tempo si ferma nel nitore degli oggetti dipinti, che sostano nello spazio in un’eterna attesa, in una vaga reminiscenza pop. Ogni cosa è presente nella sua materialità e nella sua semplicità, eppure non c’è quadro in cui non venga evocata la precarietà: le pareti che si sbrecciano, gli strappati dei manifesti sui muri, i fili che muovono i burattini, la scritta “fragile” sul pacco postale e la corda retta da due puntine, sulla quale è steso, come eloquente metafora, un semplice canovaccio. E il colore, delicato e pensoso, ribadisce la cagionevolezza dell’esistenza.

Le composizioni di Arnoldo Sidoli (1920-2001) sono spesso organizzate su diversi piani spaziali, concettuali e cronologici: un elemento realistico in primo piano (delle mele, una panca o una porta rustica) è il presente, mentre una “citazione”, nella parte alta, è il passato, o meglio, ciò che è sopravvissuto ai secoli, stratificazioni che si ritrovano a convivere in un dialogo non sempre facile. Ancora una volta, a prendere in mano le redini è il colore, che passa da un piano all’altro, ma anche da un tempo all’altro senza soluzione di continuità.

E se nella pittura di Bolondi, Bora, Coppin e Sidoli si sente l’eco delle lezioni di Funi, Carpi e Carrà (ma anche di De Rocchi), vale a dire dei maestri che hanno avuto quando studiavano all’Accademia di Brera, nei quadri di Primo Cajani (1943) è la luce che fa parlare le gradazioni, che si deposita su quegli starti di materia e ricorda il trascorrere del tempo, che trasforma gli oggetti, le strade e gli angoli delle città, in un racconto tra le cui righe si annida la nostalgia per un passato che a tratti riaffiora, nonostante abbia la consistenza delle bolle di sapone, e si deposita su impasti ruvidi,che fanno pensare all’intonaco dei muri.

In definitiva, come abbiamo visto, nel silenzio è più facile sentire la voce del colore, in tutte le sue sfumature, perché è più immediata la connessione con le emozioni, con i ricordi che sgorgano dalle pennellate in un racconto che va ben oltre il mondo rappresentato.